Masz pomysł na sztukę – może Twój pomysł jest genialny. Chcesz rozwinąć fabułę tak, by była komediowa lub dramatyczna, ale jak? Chociaż możesz chcieć przejść bezpośrednio do procesu pisania, twój dramat będzie silniejszy, jeśli spędzisz dużo czasu na planowaniu historii, zanim zaczniesz pisać pierwszy szkic. Gdy przemyślisz narrację i nakreślisz jej strukturę, pisanie sztuki stanie się łatwiejsze.
Krok
Część 1 z 3: Myślenie o narracji
Krok 1. Zdecyduj, jaką historię chcesz opowiedzieć
Chociaż każda historia jest inna, większość sztuk dzieli się na kategorie, które pomogą widzom zrozumieć, jak interpretować relacje i sceny, które widzą. Pomyśl o postaciach, które będziesz tworzyć, a następnie zastanów się, jak chcesz opowiedzieć ich historie. Gdyby oni:
- Musisz rozwikłać zagadkę?
- Przez różnego rodzaju trudności rozwijać się?
- Dorastając, przechodząc od niewinnej dziecinności do bycia doświadczanym?
- Wybierasz się w podróż, jak niebezpieczna podróż, którą odbył Odyseusz w Odysei?
- Uporządkowanie rzeczy?
- Przez różne przeszkody, aby osiągnąć cel?
Krok 2. Pomyśl o podstawowych częściach łuku narracyjnego
Łuk narracyjny to postęp dramatu od początku, przez środek do końca. Terminy techniczne dla tych trzech fragmentów to ekspozycja, złożoność i rozdzielczość – wszystkie sztuki muszą być napisane w tej kolejności. Bez względu na to, jak długo potrwa twoja sztuka lub ile scen stworzysz, dobry dramat będzie opierał się na tych trzech częściach. Zwróć uwagę, jak chcesz rozwinąć każdą sekcję przed napisaniem sztuki.
Krok 3. Zdecyduj, co umieścić w sekcji ekspozycji
Ekspozycja otwiera spektakl, dostarczając podstawowych informacji potrzebnych do śledzenia historii: Kiedy i gdzie rozgrywa się historia? Kto jest głównym bohaterem? Kim są role drugoplanowe, w tym rola antagonisty (rola, która stanowi centralny konflikt dla głównego bohatera), jeśli w ogóle? Jakie są główne konflikty, z którymi borykają się te postacie? Jaki jest nastrój w twoim dramacie (komedia, dramat romantyczny lub tragedia)?
Krok 4. Zmień ekspozycję w komplikację
W sekcji komplikacji sceny będą wyglądały na trudne dla istniejących postaci. Główny konflikt stanie się jaśniejszy, gdy sceny zwiększą napięcie publiczności. Konflikt ten może wystąpić z inną postacią (antagonistą), warunkami zewnętrznymi (wojna, bieda, rozłąka z ukochaną osobą) lub z samym sobą (np. konieczność przezwyciężenia niepewności). Komplikacje zakończą się punktem kulminacyjnym: sceną, w której napięcie osiąga szczyt, a konflikt się nagrzewa.
Krok 5. Zdecyduj, jak zakończy się konflikt
Rezolucja rozładuje napięcie kulminacyjnego konfliktu na końcu łuku narracyjnego. Masz szczęśliwe zakończenie – główny bohater dostaje to, czego chce; tragiczne zakończenie – publiczność uczy się czegoś z porażek głównego bohatera; lub ugody (rozwiązanie) - odpowiedzi na wszystkie pytania.
Krok 6. Zrozum różnicę między fabułą a fabułą
Narracja scenariusza sztuki składa się z fabuły i fabuły – dwóch odrębnych elementów, które należy wspólnie opracować, aby stworzyć dramat, który przyciągnie uwagę publiczności. E. M. Forster definiuje historię jako to, co dzieje się w dramacie – początek każdego wydarzenia w porządku chronologicznym. Podczas gdy fabuła jest logiką, która łączy każdą scenę występującą wzdłuż fabuły i wzmacnia ją emocjonalnie. Przykładami różnic między nimi są:
- Opis: Kochanek bohatera zrywa z nim. Wtedy protagonista traci pracę.
- Fabuła: Decyduje kochanek bohatera. Załamany, popadł w depresję, która wpłynęła na jego pracę, więc został zwolniony.
- Musisz stworzyć atrakcyjną historię i sprawić, by przedstawienie toczyło się szybko, aby przykuło uwagę publiczności. Jednocześnie musisz pokazać, jak te działania mają się do rozwoju Twojej fabuły. W ten sposób widzowie dbają o scenę pokazaną na scenie.
Krok 7. Rozwiń swoją historię
Nie możesz pogłębić emocjonalnego wydźwięku fabuły, dopóki nie masz dobrej historii. Pomyśl o podstawowych elementach historii, zanim rozwiniesz ją swoim tekstem, który odpowiada na poniższe pytania:
- Gdzie historia ma miejsce?
- Kto jest bohaterem (głównym bohaterem) twojej historii i kim są inne ważne postacie drugoplanowe?
- Jakie są główne konflikty, z którymi muszą się zmierzyć te postacie?
- Jakie są „wydarzenia towarzyszące”, które składają się na główną akcję dramatu i prowadzą do głównego konfliktu?
- Co dzieje się z bohaterami, gdy mierzą się z konfliktem?
- Jak rozwiązywany jest konflikt na końcu opowieści? Jak to wpływa na każdą postać?
Krok 8. Pogłębij swoją historię, rozwijając fabułę
Pamiętaj, że fabuła rozwija relacje między wszystkimi elementami historii wymienionymi w poprzednim kroku. Kiedy myślisz o fabule, powinieneś spróbować odpowiedzieć na następujące pytania:
- Jaki jest związek między jedną postacią a drugą?
- Jak bohaterowie wchodzą w interakcję z głównym konfliktem? Które postacie będą najbardziej dotknięte konfliktem i jak konflikt na nie wpłynie?
- Jak możesz ustrukturyzować historię (sceny), aby każda postać zmierzyła się z głównym konfliktem?
- Czy jest to logiczny i swobodny przebieg, który łączy jedną scenę z drugą, tworząc w ten sposób ciągłą fabułę, która prowadzi do kulminacyjnej sceny i rozwiązania historii?
Część 2 z 3: Określanie struktury dramatu
Krok 1. Zacznij od jednoaktówki, jeśli dopiero zaczynasz pisać scenariusze
Zanim zaczniesz pisać sztukę, musisz zrozumieć, jak ją skonstruować. Jednoaktowy dramat trwa bez przerwy i jest punktem wyjścia dla osób, które dopiero zaczynają pisać scenariusze. Przykładami jednoaktówek są „Więź” Roberta Frosta i Amy Lowell oraz „Gettysburg” Percy MacKaye. Chociaż jednoaktówki mają najprostszą strukturę, pamiętaj, że wszystkie historie wymagają łuku narracyjnego z ekspozycją, komplikacją i rozdzielczością.
Ponieważ nie ma czasu na odpoczynek, jednoaktówka wymaga prostszej oprawy i zmiany kostiumów. Uprość swoje potrzeby techniczne
Krok 2. Nie ograniczaj długości swojej jednoaktowej gry
Konstrukcja jednoaktowego dramatu nie ma wpływu na czas trwania spektaklu. Długość tych dramatów może być różna – niektóre produkcje trwają tylko około 10 minut, a inne ponad godzinę.
Odtworzenia flashowe są bardzo krótkimi jednoaktowymi grami i mogą trwać od kilku sekund do 10 minut. Ten rodzaj gry nadaje się do występów szkolnych i teatru społecznego, a także konkursów specjalnie stworzonych dla teatru flash. Spójrz na sztukę Anny Stillaman „Czas zieleni” jako przykład dramatu flash
Krok 3. Zapewnij bardziej złożoną oprawę dla dwuaktowej gry
Spektakle dwuaktowe to najczęstsze struktury spotykane we współczesnym teatrze. Chociaż nie ma reguł określających długość aktu sztuki, ogólnie rzecz biorąc, występ sztuki trwa półtorej godziny z przerwą dla publiczności pomiędzy dwoma aktami. Przerwa pozwala widzom na skorzystanie z niej, pójście do łazienki lub odpoczynek, zastanowienie się nad tym, co się wydarzyło i przedyskutowanie konfliktów, które zostały przedstawione w pierwszym akcie. Poza tym czas wolny może również pomóc ekipie w dokonaniu poważnych zmian w scenerii, kostiumach i makijażu. Przerwy trwają zwykle około 15 minut, więc postaraj się, aby zadania załogi zostały wykonane w tym czasie.
Jako przykład sztuki dwuaktowej spójrz na sztukę Petera Weissa „Hölderlin” lub „The Homecoming” Harolda Pintera
Krok 4. Dostosuj fabułę tak, aby pasowała do struktury dwuaktowej sztuki
Struktura dwuaktowego spektaklu nie tylko zmienia ilość czasu, jaką zabiera załoga doprowadzenie do technicznych ustaleń. Ponieważ publiczność ma przerwę w środku spektaklu, nie można traktować historii w spektaklu jako płynnej narracji. Powinieneś uporządkować swoją historię wokół przerw, aby publiczność była napięta i zastanawiała się pod koniec pierwszego aktu. Kiedy wracają z przerwy, mogą od razu dać się ponieść komplikacjom historii.
- Komplikacje powinny powstać w połowie pierwszego aktu, po ekspozycji tła.
- Podążaj za sekcją komplikacji z kilkoma scenami, które podnoszą napięcie publiczności – czy to dramatyczne, tragiczne, czy komediowe. Te sceny muszą się wspinać, aż dojdą do głównego konfliktu, który zakończy pierwszy akt.
- Zakończ pierwszy akt, gdy napięcie opowieści wzrośnie. Publiczność będzie niecierpliwa, gdy otrzyma przerwę, i wrócą podekscytowani oglądaniem drugiej połowy.
- Rozpocznij drugi rozdział z mniejszym napięciem niż po zakończeniu pierwszego. Trzeba przypomnieć widzom historię i konflikt dramatu.
- Pokaż kilka dwuaktowych scen dramatycznych, które zwiększają napięcie konfliktu w kulminacyjnym momencie opowieści lub gdy napięcie i konflikt osiągają szczyt, zanim dramat się skończy.
- Uspokój publiczność pod koniec opadającą akcją i rozdzielczością. Chociaż nie wszystkie dramaty wymagają szczęśliwych zakończeń, widzowie powinni czuć, że napięcie, które narosło po drodze, minęło.
Krok 5. Przydziel dłuższe i bardziej złożone wątki o trzyaktowej strukturze dramatu
Jeśli dopiero zaczynasz pisać scenariusze, najlepiej zacząć od jedno- lub dwuaktowej sztuki, ponieważ pełnoetatowa lub trzyaktowa sztuka utrzyma widzów w swoich miejscach przez dwie godziny! Potrzebujesz doświadczenia i umiejętności stworzenia produkcji, która utrzyma uwagę widzów na tak długo, więc najlepiej najpierw zrobić prosty dramat. Jeśli jednak historia, którą chcesz opowiedzieć, jest dość złożona, najlepszym rozwiązaniem może być trzyaktowy dramat. Podobnie jak dwuaktowa sztuka, ta pozwala na dokonanie poważnych zmian w scenerii, kostiumach itp. w przerwie między jednym aktem a drugim. Każdy akt musi być w stanie osiągnąć własne cele narracyjne:
- Akt 1 to ekspozycja: poświęć trochę czasu na przedstawienie postaci i tła każdej postaci. Spraw, aby publiczność zwróciła uwagę na głównego bohatera (protagonistę) i sytuację, aby zapewnić emocjonalną reakcję, gdy pojawi się problem. Akt 1 powinien także wprowadzać zagadnienia, które będą się rozwijać przez cały spektakl.
- Akt drugi to komplikacja: napięcie narasta u protagonisty, gdy problem staje się coraz trudniejszy do rozwiązania. Dobrym sposobem na zwiększenie napięcia w akcie 2 jest ujawnienie znacznej części tła postaci, gdy zbliżają się do kulminacji aktu. To odkrycie musi zasiać wątpliwości w umyśle protagonisty, zanim znajdzie on siłę, by stawić czoła konfliktowi w drodze do części rozwiązania. Akt 2 powinien zakończyć się smutno i pokazać rozpadające się plany bohatera.
- Akt 3 to rozwiązanie: protagonista może przejrzeć problemy w akcie 2 i znaleźć sposób na zakończenie historii. Pamiętaj, że nie wszystkie dramaty mają szczęśliwe zakończenia; bohater opowieści może umrzeć jako jej rozwiązanie, ale publiczność powinna się czegoś nauczyć z tego incydentu.
- Przykładami spektakli w trzech aktach są „Mercadet” Honore de Balzaca i „Gołąb: fantazja w trzech aktach” Johna Galsworthy'ego.
Część 3 z 3: Pisanie scenariusza dramatu
Krok 1. Stwórz zarys aktu i scen
W pierwszych dwóch częściach tego artykułu zastanawiałeś się nad podstawowymi pomysłami dotyczącymi łuków narracyjnych, rozwoju fabuły i fabuły oraz struktury dramatu. Teraz, zanim zaczniesz pisać sztukę, musisz dobrze zarysować te pomysły. Dla każdego aktu zapisz, co wydarzyło się w każdej scenie.
- Kiedy wprowadzane są ważne postacie?
- Ile scen nakręciłeś i co konkretnie wydarzyło się w każdej z nich?
- Upewnij się, że każde wystąpienie w scenie prowadzi do następnej sceny, aby fabuła mogła się rozwinąć.
- Kiedy należy zmienić tło? Kostium? Zastanów się nad technicznymi sprawami tego typu, gdy planujesz sposób wystawienia sztuki.
Krok 2. Utwórz konspekt, pisząc skrypt
Gdy masz już zarys, możesz zacząć pisać swoją sztukę. Napisz podstawowe dialogi na początku historii, nie martwiąc się o to, czy brzmi to naturalnie lub jak aktor będzie poruszał się po scenie i wystawiał twoją sztukę. W pierwszym drafcie trzeba było zrobić z „czarnego na białym” sztukę, jak ujął to Guy de Maupassant.
Krok 3. Spróbuj stworzyć naturalny dialog
Powinieneś dać im mocny scenariusz, aby mogli wypowiedzieć każdą linijkę w sposób naturalny, prawdziwy i silny emocjonalnie. Nagraj siebie, czytając te linijki w pierwszej wersji roboczej, a następnie odsłuchaj nagranie. Zwróć uwagę, kiedy brzmisz jak robot lub przesadzasz. Pamiętaj, że nawet w sztukach literackich postacie muszą brzmieć jak zwykli ludzie. Postać nie powinna brzmieć, jakby wygłaszał wielkie przemówienie, narzekając na ich pracę przy kolacji.
Krok 4. Niech rozmowa się przecina
Kiedy rozmawiasz ze znajomymi, rzadko rozmawiasz na jeden temat z pełną koncentracją. W dramacie rozmowa musi doprowadzić postać do kolejnego konfliktu. Będziesz musiał zrobić kilka dywersji, aby było bardziej realistyczne. Na przykład, omawiając, dlaczego kochanek protagonisty z nim zerwał, możesz dołączyć dwie lub trzy linijki dialogu o tym, jak długo się spotykają.
Krok 5. Wprowadź przerwanie w oknie dialogowym
Nawet jeśli nie ma to być niegrzeczne, ludzie często przerywają sobie nawzajem w rozmowie – nawet jeśli jest to tylko słowo aprobaty, takie jak „Tak, rozumiem” lub „Tak, masz rację”. Ludzie też zwykle przerywają sobie, zmieniając temat własnymi zdaniami: „Ja po prostu – w porządku, jeśli muszę tam jechać w sobotę, ale – wiesz, ostatnio mam nadgodziny”.
Nie bój się używać zdań fragmentarycznych. Chociaż nauczono nas, aby nigdy nie używać fragmentarycznych zdań podczas pisania, często używamy ich, gdy mówimy: „Nienawidzę psów. Wszystko"
Krok 6. Dodaj polecenie zachowania lub kierunku sceny
Polecenia behawioralne pozwalają aktorom zrozumieć obraz występu na scenie. Użyj kursywy lub użyj nawiasów, aby oddzielić polecenie akcji od mówionego dialogu. Podczas gdy aktorzy wykorzystają własną kreatywność, aby ożywić twoje słowa, niektóre konkretne polecenia, które możesz wydać, obejmują:
- Polecenie podczas rozmowy: [długa niezręczna cisza]
- Polecenia fizyczne: [Santi wstaje i chodzi nerwowo]; [Marni obgryza paznokcie]
- Stan emocjonalny: [z lękiem], [entuzjastycznie], [podnosi brudną koszulę i wygląda na zniesmaczoną na ten widok]
Krok 7. Przepisz tyle wersji roboczych, ile potrzeba
Nie odniesiesz sukcesu od razu, gdy stworzysz grę na swoim pierwszym drafcie. Nawet doświadczeni pisarze muszą wykonać kilka szkiców, zanim będą zadowoleni z końcowego rezultatu. Nie spiesz się! Dodaj więcej szczegółów, które ożywią Twój program za każdym razem, gdy ponownie przeczytasz scenariusz.
- W rzeczywistości, dodając szczegóły, pamiętaj, że przycisk usuwania może być twoim najlepszym przyjacielem. Jak powiedział Donald Murray, trzeba „wyciąć to, co złe, a pokazać, co dobre”. Usuń wszystkie dialogi i sceny, które nie wywołują emocjonalnego rezonansu w dramacie.
- Rada powieściopisarza Leonarda Elmore'a może być również zastosowana do dramatu: „Spróbuj zostawić część, którą publiczność pominie”.
Porady
- Większość dramatów rozgrywa się w określonym czasie i miejscu, więc musisz być konsekwentny. Postacie w latach 30. potrafiły dzwonić lub wysyłać telegramy, ale nie mogły oglądać telewizji.
- Sprawdź zasoby na końcu tego artykułu, aby uzyskać dobry format dramatu i postępuj zgodnie ze wskazówkami.
- Pamiętaj, aby dalej pisać scenariusz, jeśli podczas występu zapomnisz linijkę, wymyśl to! Czasami wynik będzie lepszy niż oryginalny dialog!
- Przeczytaj scenariusz na głos kilku widzom. Dramat opiera się na słowach i mocy, którą wytwarzają, lub ich brak powie.
- Nie ukrywaj swojego scenariusza gry, abyś mógł zostać nazwany pisarzem!
Ostrzeżenie
- Świat teatru jest pełen pomysłów, ale twoje podejście do historii jest oryginalne. Kradzież opowieści innych ludzi nie tylko czyni cię niemoralnym, ale możesz także zostać wtrącony do więzienia.
- Odrzucenie z pewnością przebije akceptację, ale nie zniechęcaj się. Jeśli ciągle jesteś rozczarowany, że jeden z twoich rękopisów został odrzucony, stwórz inny.
- Chroń swoją pracę. Upewnij się, że tytuł sztuki zawiera nazwę i rok jej powstania oraz symbol praw autorskich: ©.
