Pierwszym odkrytym instrumentem muzycznym był kościany flet 35 000 lat temu, chociaż ludzie śpiewali dużo wcześniej. Z biegiem czasu rośnie zrozumienie, jak powstaje muzyka. Chociaż nie musisz rozumieć wszystkiego na temat skali muzycznej, rytmu, melodii i harmonii, aby stworzyć dzieło sztuki muzycznej, zrozumienie niektórych pojęć pomoże ci bardziej docenić muzykę i tworzyć lepsze piosenki.
Krok
Część 1 z 4: Dźwięki, nuty i skale
Krok 1. Zrozum różnicę między „tonem” a „nutą”
'''''' Termin ten opisuje jakość brzmienia muzyki. Chociaż te dwa terminy są ze sobą powiązane, są używane w różny sposób.
- „Pitch” odnosi się do niskiej lub wysokiej częstotliwości dźwięku. Im wyższa częstotliwość, tym wyższy ton. Różnica częstotliwości między dwoma tonami nazywana jest „interwałem”.
- „Nie” to wysokość boiska. Wspólna częstotliwość dla nut między A i C to 440 herców, ale niektóre orkiestry używają innego standardu, na przykład 443 herców, aby uzyskać czystszy dźwięk.
- Większość ludzi może określić, czy nuta gra najlepiej, gdy jest połączona z inną nutą lub serią nut w znanej im piosence. Nazywa się to „tonem względnym”. Tymczasem niewiele osób ma „dźwięk absolutny” lub „dźwięk doskonały”, czyli zdolność do identyfikowania nuty bez słuchania jej odniesienia.
Krok 2. Zrozum różnicę między „barwą” a „tonem”
„”” Termin ten jest powszechnie używany w odniesieniu do instrumentów muzycznych.
- „Timbre” to połączenie dźwięków głównych (podstawowych) i tylnych (awertonowych), które brzmią, gdy instrument muzyczny gra nutę. Kiedy brzdąkasz niskie E na gitarze akustycznej, słyszysz nie tylko niskie E, ale także dodatkowe dźwięki, które wynikają z tej niskiej częstotliwości E. Kombinacja tych dźwięków jest znana jako „harmonika” i sprawia, że dźwięk instrumentu muzycznego różni się od innych instrumentów muzycznych.
- „Ton” jest terminem bardziej niejasnym. Odnosi się to do efektu połączenia głównej i tylnej nuty na ucho słuchacza, dodanej przez wysokie harmonie nuty w barwie, co skutkuje jaśniejszym lub ostrzejszym tonem. Jeśli jednak zostanie zredukowany, zredukowany ton będzie bardziej miękki.
- „Ton” odnosi się również do interwału między dwiema nutami, znanego również jako pełne uderzenie. Połowa interwału nazywana jest „półtonem” lub półkrokiem.
Krok 3. Nazwij notatkę
Nuty można nazywać na wiele sposobów. W większości krajów zachodnich powszechnie stosuje się dwie metody.
- Nazwy literowe: Nuty o określonej częstotliwości otrzymują nazwy literowe. W krajach anglojęzycznych i niderlandzkojęzycznych nuty są w kolejności od A do G. W krajach niemieckojęzycznych „B” jest używany do płaskich nut B (czarne klawisze fortepianu między A i B), a litera „H” jest przeznaczony dla B-dur (biały klawisz B na fortepianie).
- Solfeggio (powszechnie nazywany „solfege” lub „sofeo”): Ten system jest znany fanom „Dźwięków muzyki”, ponieważ przypisuje nutę jednosylabową nazwę na podstawie jej pozycji na skali. System ten został opracowany przez XI-wiecznego mnicha o imieniu Guido d'Arezzo przy użyciu „ut, re, mi, fa, sol, la, si”, zaczerpniętego z pierwszego wersu pieśni św. Jana Chrzciciela. Z biegiem czasu „ut” zostało zastąpione przez „do”, następnie „sol” zostało zastąpione przez „so”, a „ti” zostało zastąpione przez „si” (niektóre kraje używają nazwy solfeggio w taki sam sposób, jak system liter w zachodnim krajów.).
Krok 4. Ułóż kolejność nut w skali
Skala to sekwencja interwałów między różnymi wysokościami, ułożona tak, że najwyższy dźwięk znajduje się w odległości dwukrotności częstotliwości najniższego dźwięku. Ten poziom tonu nazywa się oktawą. Oto typowe skale:
- Pełna skala chromatyczna wykorzystuje 12 interwałów połówkowych. Granie oktawy fortepianu od C do wyższego C i dzwonienie pomiędzy białymi i czarnymi klawiszami daje skalę chromatyczną. Inna skala jest bardziej ograniczoną formą tej skali.
- Skala durowa wykorzystuje siedem interwałów: pierwszy i drugi to pełne kroki; trzeci to pół kroku; czwarty, piąty i szósty to pełne kroki, a siódmy to pół kroki. Granie oktawy na pianinie od C do wysokiego C przez dzwonienie tylko białymi klawiszami jest przykładem gamy durowej.
- Skala molowa również wykorzystuje siedem interwałów. Powszechną formą jest skala molowa naturalna. Pierwszy interwał to pełny krok, ale drugi to pół kroku, trzeci i czwarty to pełny krok, piąty to pół kroku, następnie szósty i siódmy to pełny krok. Granie oktawy na pianinie od niskiego A do A, dzwonienie tylko białymi klawiszami jest przykładem skali molowej.
- Skala pentatoniczna wykorzystuje pięć interwałów. Pierwszy interwał to pełny krok, następny to trzy półtakty, trzeci i czwarta to pełne kroki, a piąty to trzy półkroki (w tonacji C używane nuty to C, D, F, G, A, a następnie z powrotem do C). Możesz także grać w skali pentatonicznej, po prostu naciskając czarny klawisz między C a wysokim C na pianinie. Skala pentatoniczna jest często używana w muzyce afrykańskiej, wschodnioazjatyckiej i rdzennych Amerykanów, a także w muzyce folk/folk.
- Najniższa nuta na skali nazywana jest „kluczem”. Zwykle ostatnia nuta w piosence jest kluczową nutą piosenki; utwory pisane w tonacji C zwykle kończą się w tonacji C. Nazwy klawiszy zwykle zależą od obszaru skali gry utworu (dur lub moll); gdy skala nie jest nazwana, zwykle jest od razu uważana za skalę durową.
Krok 5. Użyj ostrych narzędzi i moli, aby podnieść i obniżyć tonację
Sharps i krety podnoszą i obniżają boisko o pół kroku. Krzyżyki i krety są bardzo ważne podczas grania na klawiszach innych niż C-dur lub A-moll, aby zachować prawidłowy układ interwałowy gamy durowej i molowej.
- Ostry symbol jest zwykle pisany z symbolem ogrodzenia (#), co jest przydatne do podniesienia tonu o pół kroku. W tonacjach G-dur i E-moll F jest podniesione o pół kroku, aby stać się ostrym F.
- Symbol kreta jest zwykle pisany symbolem „b”, co jest przydatne do obniżenia wysokości tonu o pół kroku. W tonacji F-dur i D-moll B jest obniżone o pół kroku, aby stać się kretem B.
- Aby ułatwić czytanie nut, w nutach zawsze znajduje się wskazanie, dla których nuty powinny być zawsze podnoszone lub obniżane w określonych klawiszach. Accidental powinien być używany dla nut spoza tonacji durowej lub molowej zapisanej piosenki. Takie znaki chromatyczne są używane tylko dla niektórych nut, zanim pionowa linia oddziela rytm.
- Symbol naturalny, który wygląda jak równoległobok z pionowymi liniami biegnącymi w górę i w dół od dwóch linii, jest używany przed każdą nutą, która ma być podniesiona lub opuszczona, aby wskazać, że nuta nie powinna być umieszczona w piosence. Symbole naturalne nigdy nie są wyświetlane w symbolach kluczowych, ale mogą zniwelować efekt ostrości lub pieprzyka w rytmie utworu.
Część 2 z 4: Beats and Rhythm
Krok 1. Zrozum różnicę między „beat”, „rytm” i „tempo”
„”” Istnieje związek między tymi terminami.
- Beat” odnosi się do poszczególnych uderzeń w muzyce. Rytm można zdefiniować jako brzmiącą nutę lub okres ciszy zwany pauzą. Uderzenia można podzielić na wiele nut lub wiele uderzeń można umieścić w pojedynczych nutach lub w pauzach.
- „Rytm” to sekwencja uderzeń lub rytmów. Rytm jest określany przez układ nut i pauz w utworze.
- „Tempo” odnosi się do tego, jak szybko lub wolno odtwarzany jest utwór. Im szybsze tempo utworu, tym więcej uderzeń na minutę. „The Blue Danube Waltz” ma wolne tempo, a „The Stars and Stripes Forever” ma szybkie tempo.
Krok 2. Grupuj rytmy w rytmy
Rhythm to zbiór bitów. Każde uderzenie ma taką samą liczbę uderzeń. Liczba uderzeń na uderzenie jest wskaźnikiem zapisanej muzyki ze znacznikami czasu, które wyglądają jak ułamki bez linii, która decyduje o liczniku i mianowniku.
- Powyższa liczba wskazuje liczbę uderzeń na uderzenie. Liczby to zwykle 2, 3 lub 4, ale czasami osiągają 6 lub więcej.
- Poniższe liczby wskazują rodzaj nuty, która otrzymuje pełne uderzenie. Gdy najniższa liczba to 4, ćwierćnuta (wygląda jak otwarty owal z dołączoną linią) otrzymuje pełny rytm. Gdy liczba poniżej to 8, ósma nuta (wygląda jak ćwierćnuta z dołączoną flagą) dostaje pełne uderzenie.
Krok 3. Poszukaj zestresowanych uderzeń
Rytm zostanie określony w zależności od rodzaju wciskanego rytmu, a nie od rytmu utworu.
- W wielu utworach bit jest wciśnięty przy pierwszym uderzeniu lub na początku utworu. Pozostałe takty lub przedtakty nie są uwydatniane, chociaż w utworze czterotaktowym trzeci takt może być uwydatniony, ale w mniejszym stopniu niż przedtakt. Miary podkreślone są czasami nazywane silnymi uderzeniami, podczas gdy miary nieakcentowane są czasami nazywane uderzeniami słabymi.
- Niektóre piosenki uderzają w rytm zamiast na początku utworu. Ten rodzaj akcentowania jest znany jako synkopowanie, a mocno stłumiony beat nazywa się back beatem.
Część 3 z 4: Melodia, harmonia i akord
Krok 1. Zrozum piosenkę po jej melodii
„Melodia” to seria nut w piosence, którą ludzie słyszą wyraźnie, na podstawie wysokości nut i granego rytmu.
- Melodia składa się z różnych fraz, które tworzą rytm piosenki. Fraza może być powtarzana w całej melodii, jak w kolędzie „Deck the Halls”, przy czym pierwsza i druga linijka piosenki wykorzystują tę samą sekwencję nut.
- Struktura standardowej pieśni melodycznej to zazwyczaj jedna melodia na jedną zwrotkę i odpowiadająca jej melodia w refrenie lub refrenie.
Krok 2. Połącz melodie i harmonie
„Harmony” to nuta grana poza melodią w celu wzmocnienia lub przeciwdziałania dźwiękowi. Jak wspomniano wcześniej, wiele instrumentów strunowych wytwarza wiele dźwięków podczas brzdąkania; Dodatkowe nuty, które brzmią z tonem podstawowym, są formą harmonii. Harmonię można uzyskać za pomocą akordów muzycznych.
- Harmonie wzmacniające dźwięk melodyczny nazywane są „spółgłoskami”. Dodatkowe dźwięki, które brzmią wraz z dźwiękiem podstawowym, gdy struny gitary są szarpane, są formą harmonii spółgłosek.
- Harmonie przeciwstawne melodii nazywane są „dysonansami”. Dysonansowe harmonie można tworzyć, grając przeciwstawne melodie w tym samym czasie, na przykład podczas śpiewania „Row Row Row Your Boat” w dużym kole, przy czym każda grupa śpiewa ją w innym czasie.
- Wiele piosenek wykorzystuje dysonans jako sposób wyrażania niespokojnych uczuć i stopniowo prowadzi do harmonii spółgłoskowej. Na przykład w piosence „Row Row Row Your Boat” powyżej, kiedy każda grupa śpiewa ostatnią zwrotkę, piosenka staje się cichsza, aż ostatnia grupa śpiewa liryczną część „Life is but a dream”.
Krok 3. Ułóż notatki, aby wygenerować akordy
Akord powstaje, gdy wybrzmiewają trzy lub więcej nut, zwykle w tym samym czasie, choć nie zawsze w ten sposób.
- Najczęściej używanymi akordami są triady (składające się z trzech nut), przy czym każda kolejna nuta jest o dwie nuty wyższa od poprzedniej. W akordzie C-dur zawarte w nim nuty to C (jako podstawa akordu), E (trzeci dur) i G (piąty dur). W akordach C-moll E zastępuje się ostrym E (trzecim).
- Innym często używanym akordem jest septyma (7th), z dodatkiem czwartej nuty do triady, która jest septymą nuty bazy. Akord C-dur 7 dodaje B do triady C-E-G, tworząc sekwencję C-E-G-B. Akord septymowy brzmi bardziej dysonansowo niż triada.
- Możliwe jest użycie innego akordu dla każdej nuty w piosence; To właśnie tworzy harmonię w stylu kwartetu fryzjerskiego. Jednak akordy są zwykle sparowane z zawartymi w nich nutami, takimi jak granie akordu C-dur, który towarzyszy nucie E w melodii.
- Wiele utworów jest granych tylko trzema akordami, przy czym podstawowymi akordami na skali są pierwszy, czwarty i piąty. Ten akord jest reprezentowany przez cyfry rzymskie I, IV i V. W tonacji C-dur byłby to C-dur, F-dur i G-dur. Czasami akord siódmy jest zastępowany akordem V-dur lub molowym, więc podczas grania C-dur akord V stanie się G-dur 7.
- Akordy I, IV i V są połączone między klawiszami. Akord F-dur to akord IV w tonacji C-dur, akord C-dur to akord V w tonacji F-dur. Akord G-dur to akord V w tonacji C-dur, ale akord C-dur to akord IV w tonacji G-dur. Relacje między tymi tonacjami są kontynuowane w innych akordach i tworzą diagram zwany kołem kwintowym.
Część 4 z 4: Rodzaje instrumentów muzycznych
Krok 1. Uderz w perkusję, aby wyprodukować muzykę
Instrumenty perkusyjne uważane są za najstarsze instrumenty muzyczne. Większość instrumentów perkusyjnych służy do generowania i utrzymywania rytmu, chociaż niektóre instrumenty perkusyjne mogą wytwarzać melodie lub harmonie.
- Instrumenty perkusyjne, które wytwarzają dźwięk poprzez wibrowanie całego ciała, nazywane są idiofonami. Są to instrumenty muzyczne, które są bite razem, takie jak talerze i kasztany, oraz instrumenty muzyczne, które są bite z innymi instrumentami, takimi jak bębny, trójkąty i ksylofony.
- Instrumenty perkusyjne z „skórą” lub „głową”, które wibrują po uderzeniu, nazywane są membranofonami. Instrumenty muzyczne, w tym bębny, takie jak kotły, tam-tomy i bongosy. Podobnie jest z instrumentami muzycznymi, które mają przymocowane struny lub patyki i wibrują przy pociąganiu lub pocieraniu, takich jak ryk lwa lub cuica.
Krok 2. Dmuchnij na instrument dęty, aby tworzyć muzykę
Instrumenty dęte wytwarzają wibrujący dźwięk podczas dmuchania. Zwykle jest wiele różnych otworów, aby wytworzyć różne nuty, więc ten instrument nadaje się do grania w melodie lub harmonie. Instrumenty dęte dzielą się na dwa rodzaje: flety i piszczałki. Flet wydaje dźwięk, gdy wibruje całym swoim ciałem, podczas gdy trzcina wibruje materiał wewnątrz swojego ciała, aby wytworzyć dźwięk. Te dwa instrumenty dzielą się dalej na dwa podtypy.
- Otwarty flet wydaje dźwięk poprzez przerwanie strumienia powietrza wdmuchiwanego na końcu instrumentu. Przykładami typów fletów otwartych są flety koncertowe i flety panpipe.
- Zamknięty flet wytwarza powietrze w rurkach instrumentu, powodując wibracje instrumentu. Przykładami zamkniętych fletów są flety proste i organy piszczałkowe.
- Instrumenty z pojedynczym stroikiem umieszczają stroik na instrumencie, gdzie jest dmuchany. Po przedmuchaniu stroik wibruje powietrze wewnątrz instrumentu, aby wytworzyć dźwięk. Klarnet i saksofon to przykłady instrumentów z jednym stroikiem (chociaż korpus saksofonu jest wykonany z mosiądzu, saksofon nadal jest uważany za instrument dęty, ponieważ do wytwarzania dźwięku używa stroika).
- Instrumenty muzyczne z podwójnym stroikiem używają dwóch stroików, które są zwinięte na końcu instrumentu. Instrumenty takie jak obój i fagot umieszczają dwa stroiki bezpośrednio na ustach dmuchawy, podczas gdy instrumenty takie jak crumhorn i dudy pokrywają stroiki.
Krok 3. Dmuchnij w instrument dęty blaszany z zamkniętymi ustami, aby wydobyć dźwięk
W przeciwieństwie do fletów, które są zależne od przepływu powietrza, instrumenty dęte blaszane wibrują wargami dmuchawy, wytwarzając dźwięk. Mosiężne instrumenty muzyczne są tak nazwane, ponieważ wiele z nich jest wykonanych z mosiądzu. Instrumenty te są pogrupowane według ich zdolności do zmiany dźwięku poprzez zmianę odległości, przez którą przepływa powietrze. Odbywa się to za pomocą dwóch metod.
- Trombon wykorzystuje lejek do zmiany odległości przepływu powietrza. Wyciągnięcie ustnika wydłuży dystans i obniży ton. Tymczasem przybliżenie odległości podniesie ton.
- Inne instrumenty dęte blaszane, takie jak trąbki i tuby, wykorzystują zawory w kształcie tłoków lub kluczy, aby wydłużyć lub skrócić przepływ powietrza w instrumencie. Zawory te można wciskać pojedynczo lub w połączeniu, aby uzyskać pożądany dźwięk.
- Flety i instrumenty dęte blaszane są często uważane za instrumenty dęte, ponieważ muszą być dmuchane, aby wydobyć dźwięk.
Krok 4. Wibruj struny instrumentu smyczkowego, aby wydobyć dźwięk
Struny instrumentu strunowego mogą wibrować na trzy sposoby: szarpanie (na gitarze), uderzanie (jak w cymbałach) lub brzdąkanie (smyczek na skrzypcach lub wiolonczeli). Instrumenty strunowe mogą być używane do akompaniowania rytmowi lub melodii i można je podzielić na trzy kategorie:
- Harfa to instrument strunowy z korpusem i gryfem, który rezonuje, podobnie jak w przypadku skrzypiec, gitar i banjo. Istnieją struny tej samej wielkości (oprócz niskich strun w pięciostrunowym banjo) o różnej grubości. Grubsze struny wytwarzają niższe dźwięki, podczas gdy cieńsze struny wytwarzają wyższe dźwięki. Struny mogą być nabijane w kilku punktach, aby podnieść lub obniżyć tonację.
- Harfa to instrument strunowy, którego struny są przymocowane do szkieletu. Struny na harfie są ułożone w pionie i stają się krótsze z każdym następstwem. Dół struny harfy jest połączony z korpusem rezonansowym lub płytą rezonansową.
- Sitar to instrument strunowy montowany na korpusie. W struny można uderzać lub szarpać, jak w harfę, lub bezpośrednio, jak w cymbały, lub pośrednio, jak w fortepian.
Sugestia
- Naturalne skale durowe i molowe są powiązane w tym, że skala molowa dwóch dźwięków kluczowych jest niższa niż skala durowa, co powoduje wyostrzenie lub spłaszczenie tych samych dźwięków. Tak więc tonacje C-dur i A-moll, w których nie stosuje się ostrych/płaskich dźwięków, mają te same kluczowe cechy.
- Niektóre instrumenty muzyczne i kombinacje innych instrumentów muzycznych są związane z pewnymi rodzajami muzyki. Na przykład kwartet smyczkowy z dwoma skrzypcami, jedną altówką i jedną wiolonczelą jest zwykle używany do grania muzyki klasycznej zwanej muzyką kameralną. Zespoły jazzowe zazwyczaj produkują rytmy na perkusji, fortepianie, ewentualnie dwóch basach lub tubie oraz trąbce, puzonie, klarnecie i saksofonie. Granie kilku piosenek z instrumentami używanymi inaczej niż powinny, może być zabawne, podobnie jak „Weird Al” Yankovic. Swoje rockowe piosenki gra na akordeonie w stylu polki.
