Robienie filmów może być świetną zabawą z przyjaciółmi lub czymś, co naprawdę chcesz robić. Niezależnie od tego jest to proces, który zajmuje dużo czasu, między wyborem scenariusza, wyborem aktorów i nakręceniem prawdziwego filmu, ale kiedy nauczysz się podstaw, możesz zrobić dobry. Sprawdź pierwszy krok, aby rozpocząć proces reżyserski.
Krok
Metoda 1 z 4: Przygotowanie do filmowania
Krok 1. Wybierz skrypt
Dobry scenariusz może sprawić, że nawet przeciętny reżyser będzie wyglądał dobrze, więc wybieraj mądrze. Możesz także napisać własny scenariusz, jeśli lubisz to i możesz sobie na to pozwolić. Podczas pisania lub wybierania scenariusza należy zwrócić uwagę na kilka rzeczy, które pomogą Ci wybrać najlepszy scenariusz.
- Struktura jest kluczem do dobrej historii. Trzyaktowa struktura jest powszechnie używanym narzędziem scenarzystów do tworzenia dobrej historii. Działa to tak: przygotowanie lub inicjacja (Akt 1), konfrontacja (Akt 2), postanowienie (Akt 3). Główny punkt zwrotny nastąpił pod koniec Aktu 1 i Aktu 2.
- Dobry scenariusz raczej pokazuje niż mówi. Chcesz, aby publiczność odgadła, co się dzieje na podstawie gestów aktorów, w co się ubierają, co robią i jak wymawiają słowa. Scenariusz bardzo naturalny i widoczny.
- Każda scena musi mieć linię ślimaka, która mówi, czy scena jest kręcona w pomieszczeniu (wnętrze), czy na zewnątrz (na zewnątrz), czy jest kręcona w nocy, czy w dzień, oraz gdzie się znajduje. (Przykład: WNĘTRZE. SALON -- NOC.)
- Opisując akcję, opisujesz rzeczywistą i rzeczywistą akcję, która jest widoczna na ekranie. Na przykład zamiast mówić „Jan wszedł do salonu. Jest zły, że zostawiła go dziewczyna”. Powinieneś powiedzieć: „John wszedł do salonu. Zatrzasnął drzwi z tyłu i uderzył w sofę.
Krok 2. Utwórz storyboard lub sekwencję scen do swojego scenariusza
Sekwencjonowanie każdej sceny jest ważne, więc wiesz, jak najlepiej zorientować każdą scenę, jaki chcesz kąt kamery, jaki widok chcesz zobaczyć. Nie musisz trzymać się sekwencji scen, które będziesz kręcić, ale da ci to wskazówki, jak zacząć.
- Rzeczy, które można ustawić, obejmują: jakie znaki pojawiają się w każdej klatce, ile czasu mija między obecną a poprzednią klatką, kąt kamery w kadrze (jaki rodzaj ujęcia chcesz).
- Sekwencja scen nie musi być idealna. To po prostu daje duszę scenariusza i sposób, w jaki można go zrealizować.
- Określ swój styl filmowy. Stoicki film o prywatnym detektywie z lat dwudziestych miałby zupełnie inny charakter niż szczera komedia o zagrożeniach związanych z rodzicielstwem. Najlepszym sposobem, aby Twój film się nie powiódł, jest zmiana stylu w środku sceny, tak aby krzepiąca komedia nagle stała się tragedią bez ostrzeżenia. Nie oznacza to, że komedie nie mogą zawierać scen tragedii lub odwrotnie, ale twój film, zwłaszcza jeśli dopiero zaczynasz reżyserować, powinien kłaść nacisk na jeden styl.
Krok 3. Uzyskaj finansowanie na swój film
Nie możesz zrobić filmu bez dofinansowania, zwłaszcza jeśli chcesz, aby Twój film zobaczyła nie tylko Twoja rodzina. Sprzęt do filmowania kosztuje, potrzebne są rekwizyty, lokacje, aktorzy i technicy. Wszystko kosztuje.
Jeśli chcesz nakręcić film niezależny, powinieneś spróbować znaleźć producenta swojego filmu, kogoś, kto zna się na finansowaniu filmu, znajdź lokalizację filmowania
Krok 4. Wybierz aktorów do każdej roli
Jeśli nie masz pieniędzy, prawdopodobnie wybierzesz własne, ale poza tym dobrym pomysłem jest zatrudnienie dyrektora ds. selekcji aktorów, aby to zrobił. Ogólnie rzecz biorąc, dyrektor ds. wyboru aktorów ma większy dostęp do wyboru odpowiedniego aktora do Twojego filmu.
- Chcesz ludzi, którzy grali w innych filmach i rozumieją, jak to działa. Aktorzy teatralni nie nadają się do tego, ponieważ granie w teatrze i granie w filmach są bardzo różne.
- Jest kilku nowych aktorów, którzy nie są bardzo drodzy. To, czego szukasz, to charyzma i talent. Zwykle oznacza to nie tylko wybranie przyjaciela do roli (chyba że reżyserujesz filmy tylko dla zabawy).
Krok 5. Znajdź lokalizacje, rekwizyty i materiały
Filmy wymagają lokalizacji (sypialnia, salon, ulica, ogród itd.). Czasami można robić zdjęcia w tych lokalizacjach za darmo, a czasami trzeba za to zapłacić. Zamiast tego będziesz potrzebować rekwizytów, kostiumów, makijażu i materiałów strzeleckich (mikrofon, kamera itd.).
- Jeśli masz producenta, to właśnie zrobią. Upewnij się, że masz wszystko, czego potrzebujesz i pozwolenie na robienie zdjęć w określonym miejscu. W przeciwnym razie zrobisz to sam.
- Jeśli naprawdę masz bardzo ograniczone fundusze, porozmawiaj z przyjaciółmi i rodziną. Być może znasz kogoś, kto jest bardzo dobry w makijażu, aby zostać wizażystką, a może twoja ciocia ma kolekcję ubrań.
Krok 6. Zaplanuj odpowiednio
Jeśli nie masz jasnej wizji i planu, jak potoczy się Twój film, jaki film chcesz, będzie to trudny proces filmowy. Potrzebujesz konkretnej konfiguracji i musisz wiedzieć wszystko, co należy zrobić, aby proces filmowania zakończył się sukcesem.
- Zrób listę ujęć. Jest to w zasadzie uporządkowana lista wszystkich scen filmowych, które opisują kadrowanie, ogniskową, ruch kamery i rzeczy, o których należy pamiętać (być może obawy związane z filmowaniem). Możesz to również zrobić za pomocą scenorysu lub sekwencji scen, cokolwiek jest dla Ciebie wygodne.
- Zrób bardziej szczegółowy skrypt. Jest to w zasadzie proces, w którym identyfikujesz każdą rzecz potrzebną do kręcenia, w tym lokalizacje, rekwizyty, efekty i tak dalej. Będzie to łatwiejsze, jeśli masz producenta, który Ci w tym pomoże.
- Przegląd techniczny ze wszystkimi technikami. Oznacza to przeglądanie miejsc filmowania i każdego ujęcia z technikiem, aby każdy dokładnie wiedział, czego się spodziewać w każdym ujęciu. Możesz omówić możliwe problemy (takie jak konkretne oświetlenie, problemy z dźwiękiem itp.).
Krok 7. Ustaw harmonogram fotografowania
Jeśli uda ci się znaleźć dobrego asystenta reżysera, będziesz go chciał. To oni będą krzyczeć na aktorów w razie potrzeby i robić takie rzeczy, jak nagrywanie każdego przeglądu technicznego i planowanie wszystkich zdjęć.
Ustawienia harmonogramu nagrywania zasadniczo określają harmonogram, w którym zdjęcia będą transmitowane. Prawie nigdy nie występuje w chronologii filmowania, ale zwykle ma więcej wspólnego z oświetleniem lub ustawieniami aparatu
Metoda 2 z 4: Praca z aktorami
Krok 1. Przestudiuj scenariusz przed zrobieniem zdjęcia
Wydaje się to bardzo oczywistym krokiem, ale jest bardzo ważne. Kiedy robisz prawdziwe filmy, chcesz, aby aktorzy czuli się komfortowo z tym, co mogą, a czego nie mogą robić.
- Zacznij od wspólnego czytania scenariusza, w którym ty i twoi aktorzy siedzicie i studiujecie każdą scenę. Będą czuli się bardziej komfortowo ze słowami i z tobą oraz z innymi, co znacznie ułatwi filmowanie.
- W rzeczywistości utalentowani aktorzy nie potrzebują dużo praktyki przed kręceniem i najlepiej jest nie przećwiczyć zbyt emocjonujących scen, aby wyglądały naturalnie, gdy są kręcone w prawdziwym życiu, ale tylko wtedy, gdy pracujesz z dobrze znanymi i utalentowanymi aktorów, więc jeśli pracujesz z nowymi aktorami, dobrym pomysłem jest przestudiowanie scenariusza przed kręceniem.
Krok 2. Upewnij się, że aktorzy nauczyli się swoich ról
Aktorzy nie mogą dać oszałamiającego występu, nie znając tajników scenariusza. Nie chcesz, żeby nagle pojawiły się w dniu zdjęć bez poznania swojej roli. Dlatego tak ważna jest praktyka.
Krok 3. Opisz rozmowę w każdej scenie
To znaczy, co jest w scenie opartej na dialogu. Podpowie także twoim aktorom, jakie postacie grają w scenie iw filmie, co zadecyduje o tym, jak je wyreżyserujesz.
- Mniej więcej jak ich gra w filmie. To, czego oczekujesz od swoich aktorów, to silna obecność, nawet jeśli nic nie robią. Aktor może pokazać swoją postać, nie robiąc wiele.
- Na przykład: John, zrzędliwy bohater powyżej, będzie odgrywał różne role w zależności od tego, czy nienawidzi swojej dziewczyny, która go opuściła, czy nadal jest w niej zakochany (lub obie).
Krok 4. Bądź spokojny, skoncentrowany i jasny
Gniewne frazesy, krzyki reżysera to tylko frazesy. Jako reżyser jesteś odpowiedzialny (jeśli nie masz producenta), co oznacza, że wszyscy będą od Ciebie oczekiwać spokojnego i jasnego kierunku.
- Dlatego tak ważne są szczegółowe sekwencje i skrypty. Możesz odesłać ich z powrotem do każdej sceny i pokazać swoją wizję każdemu, kto dla ciebie pracuje.
- Pamiętaj, że filmy powstają dzięki wkładowi wielu różnych osób, nawet jeśli reżyserzy i aktorzy otrzymują więcej nagród. Lepiej, żebyś nie zachowywał się jak najważniejszy, kiedy rozmawiasz z aktorami i ekipą filmową.
Krok 5. Podaj szczegółowe instrukcje
To jest dla aktorów. Jeśli wyjaśniasz rozmowę aktorom i swoją wizję filmu, nie powinno być dla nich problemem zrobienie tego, co zrobili w swojej scenie, ale ważne jest, aby podać konkretne instrukcje, nawet instrukcje typu „spróbuj zagrać rola ponownie z szybszym."
- Bierz taśmę w kółko. Na liście ujęć zapisz ważne rzeczy, które chcesz zrobić od swojego aktora. Twoje jaśniejsze i bardziej szczegółowe informacje zwrotne i prośby ułatwią aktorom i ekipom filmowym podążanie za Twoją wizją.
- Osobiście przekaż aktorowi negatywną lub szczegółową informację zwrotną. Możesz to zrobić nawet, gdy w pobliżu są inne osoby, o ile tylko aktor, który otrzymuje informację zwrotną, słyszy ją. To jest sposób, by nie gonić innych.
- Upewnij się, że przekazujesz pozytywne opinie. Aktorzy uwielbiają wiedzieć, że ich występy są doceniane i że postępują właściwie. Upewnij się, że dałeś im znać, nawet jeśli jest to tylko drobiazg typu „Naprawdę podobało mi się to, co zrobiłeś w ostatniej scenie; spróbujmy, tak jak kręciliśmy scenę”.
- Czasami, jeśli masz dobrych aktorów, dobrze jest pozwolić im robić to, co myślą, nie dając wiele wskazówek. Chociaż może to nie zawsze przebiegać zgodnie z twoimi planami, sceny i filmy mają możliwość uzyskania nowych kierunków.
Metoda 3 z 4: Robienie zdjęć
Krok 1. Poznaj różne rodzaje fotografowania i kąty kamery
Kiedy reżyserujesz, musisz znać różne pozycje filmowania oraz różne kamery i ruchy kamery, aby wiedzieć, jak kręcić każdą scenę i co powinieneś spróbować osiągnąć w każdej scenie. Różne pozycje i rodzaje wykonywanych ujęć zmieniają widok sceny.
- Kadrowanie (lub ujęcie z dystansu): ekstremalnie dalekie ujęcie (zwykle początkowe ujęcie, z odległości mili), dalekie ujęcie (jest to ujęcie „życiowe”, które zajmuje się odległością między widzem a ekranem w kinie; skupia się na postaci i tła), średnie ujęcie (jest to zwykle używane do scen dialogowych lub do wyraźniejszego obejrzenia określonej akcji i zwykle składa się z 2/3 postaci od pasa w górę), zbliżenia (to ujęcie koncentruje się na twarzy lub obiekt ze słabym tłem, zwykle używany do wniknięcia w umysł postaci), skrajne zbliżenie (zwykle skupianie się na określonych szczegółach, takich jak usta lub oczy, zwykle używane do uzyskania efektu dramatycznego).
- Kąt kamery określa związek między kamerą a tym, co chcesz sfotografować, i dostarcza widzowi emocjonalnych informacji na temat obiektu lub postaci na zdjęciu. Widok z lotu ptaka (pokazuje scenę skierowaną z góry, umieszczając widza w Bożej pozycji i sprawiając, że normalne rzeczy wyglądają na rozpoznawalne), pod dużym kątem lub pod dużym kątem (wymaga to kamery, która używa dźwigu i daje wyobrażenie o co się dzieje). obiekt może wywoływać strach lub dezorientację).
- Ruch kamery sprawia, że akcja wydaje się wolniejsza niż szybkie cięcia, ale może też dać bardziej „prawdziwy” efekt. Panoramowanie (widok sceny w poziomie), przechylanie (widok sceny w pionie), ujęcia dolly (znane również jako ujęcia śledzenia/jazdy ciężarówką, w których kamera śledzi ruch poruszającego się pojazdu), ujęcia z ręki (kamery Steadicam robią z ręki ujęcia nie są przerywane, ale nadal wyglądają na bliskie i rzeczywiste), ujęcia z dźwigu (to mniej więcej to samo, co ujęcie z wózka w powietrzu), soczewka powiększająca (zmienia powiększenie obrazu, wolniej zmieniając pozycję widza lub szybciej), ujęcia z lotu ptaka (robienie zdjęć tak samo jak ujęcie z dźwigu, ale zrobione z helikoptera i zwykle używane do robienia zdjęć na początku filmu).
Krok 2. Przyjdź na wezwanie
To w zasadzie czas, kiedy załoga wszystko organizuje. Jeśli masz asystenta reżysera, nie musisz tam być, ale warto się nim pochwalić. Możesz zacząć myśleć o kręceniu tego dnia i zastanowić się, jak najlepiej to zrobić i czy musisz coś zmienić.
Krok 3. Ćwicz strzelanie
Przed rozpoczęciem zdjęć i w czasie, gdy ekipa terenowa rozstawia sprzęt, przeszkol aktorów i zdecyduj, co mają zrobić z kamerą (gdzie mają stać, jakiego rodzaju ujęcia użyć, jak wymawiać scenariusz).
Poeksperymentuj z wizjerem lub zestawem aparatu, aby sprawdzić, jak działa podczas fotografowania pod różnymi kątami. W tym momencie możesz chcieć zmodyfikować i przedefiniować niektóre sceny i ujęcia, aby uzyskać żądaną scenę
Krok 4. Skonfiguruj ujęcie
W przypadku każdego ujęcia musisz znać ogniskową, położenie kamery, oznaczenia aktorów (miejsce, w którym powinien stanąć itp.), dotyczące używanego obiektywu i ruchu kamery. Zaaranżujesz kręcenie, biorąc pod uwagę wszystkie różne kwestie, ze swoim operatorem.
Teraz, w zależności od stylu reżysera i stylu operatora (możesz być jedyną osobą podejmującą decyzje podczas kręcenia), będziesz musiał podać dużo lub mało wskazówek. Porozmawiaj z nimi o oświetleniu i działaniu aparatu, dopóki fotografowanie nie będzie gotowe
Krok 5. Zrób zdjęcie
Filmowanie nie trwa długo i zazwyczaj są to krótkie sceny. Idziesz wraz ze sceną, używając ruchu kamery i rozmieszczenia, i tak dalej, że jesteś gotowy do pracy ze swoim operatorem. Kiedy go zwolnisz, możesz zobaczyć, jak to będzie.
Krok 6. Przejrzyj ujęcie
Przeglądając ujęcie na monitorze, możesz zastanowić się, jak ulepszyć scenę, jak dopasować scenę do oryginalnego pomysłu. Następnie powtarzasz scenę, aż ci się spodoba.
To bardzo różni się od późniejszego przeglądania pokoju korekcyjnego. Tam masz czas, jasność i perspektywę, aby zobaczyć wszystko, co możesz zrobić, aby ulepszyć scenę
Metoda 4 z 4: Kończenie filmu
Krok 1. Wykonaj korekcję filmu
To, co próbujesz zrobić na tym etapie, to ułożyć wszystkie edycje filmu płynnie, płynnie i spójnie. Z reguły chcesz skrócić akcję, tak aby niewiele z akcji było nudne dla publiczności. Oznacza to, że tniesz od sceny do sceny, aby pokazać (jak John otwierający drzwi do salonu). Połączysz scenę z pierwszą częścią dotyczącą ruchu Johna w dalekim ujęciu i drugą częścią w bliższym ujęciu.
- Kadrowanie ruchu w klatkach to otwarte ujęcie. Na przykład średnie ujęcie dwóch rozmawiających mężczyzn, z których jeden porusza się i wyraźnie pokazuje swoją złą twarz.
- Tnie pustą ramkę, w miejscu, w którym pojawia się obiekt. Na przykład jest często używany, gdy ktoś wysiada z samochodu, gdzie widzisz tylko stopy. Nogi wchodzą w pustą ramę.
- Pamiętaj, że kiedy przycinasz, potrzeba 2 klatek filmu (co odpowiada 1/12 sekundy), aby oczy widza przemieściły się z jednej strony ekranu na drugą.
Krok 2. Stwórz kompozycję muzyczną
W przypadku ścieżki dźwiękowej chcesz się upewnić, że pasuje do filmu. To nie jest gorsze niż partytura, która nie pasuje do tonu i wyglądu filmu. Omawiając kompozycję muzyczną ze swoim autorem piosenek, porozmawiaj o takich rzeczach, jak styl muzyczny, instrumenty, szybkość muzyki, podpis muzyczny i tak dalej. Twórcy piosenek muszą znać twoją wizję filmową, aby stworzyć odpowiednią muzykę.
- Posłuchaj demo, które dał ci autor piosenek, aby zobaczyć, jak piosenka się pojawiła i zakończyła oraz gdzie należy wprowadzić zmiany.
- W dzisiejszych czasach, jeśli tworzysz własną muzykę, musisz upewnić się, że nie kradniesz praw autorskich do muzyki innych osób do swoich filmów, ponieważ możesz mieć kłopoty. Masz mnóstwo czasu, aby znaleźć taniego autora piosenek w swoim mieście. Prawdopodobnie nie osiągnie profesjonalnego poziomu (ale twój film też nie jest świetny), ale nadal może mieć dobry dźwięk.
- Jest różnica między ścieżką dźwiękową a partyturą. Ścieżka dźwiękowa to wstępnie nagrana muzyka, która pasuje do sceny lub fragmentu treści, rytmu i nastroju. Partytura to muzyka, która towarzyszy konkretnym obrazom lub motywom w filmie (takim jak „zwodniczy temat” w „rozmowie”).
Krok 3. Dodaj miks dźwiękowy
Oznacza to upewnienie się, że ścieżka dźwiękowa pasuje do filmu. Oznacza to również usuwanie i dodawanie dźwięków, które należy dodać, lub dodawanie dźwięków, które już istnieją. Możesz zmienić dźwięk, którego nie powinno tam być (np. hałas samolotu) lub zmienić dźwięk, który powinien tam być.
- Dźwięk diegetyczny oznacza, że dźwięk jest tworzony przez to, co widz widzi na obrazie. Chociaż zwykle jest to wychwytywane podczas nagrywania, zwykle jest dodawane później, na przykład dodając dźwięki otoczenia (na zewnątrz) i wewnątrz (w pomieszczeniach), aby zamaskować dźwięki, takie jak odgłosy samolotu, ale nie w celu ich wyciszenia.
- Dźwięk niediegetyczny oznacza dźwięk dochodzący spoza obrazu, taki jak nuty.
Krok 4. Pokaż swój film
Teraz, po utworzeniu filmu, przejrzeniu go i dodaniu różnych dźwięków, możesz się nim pochwalić. Czasami oznacza to zebranie kilku przyjaciół i rodziny oraz pokazanie owoców swojej pracy, ale możesz też znaleźć inne sposoby, zwłaszcza jeśli jest to dla ciebie bardzo ważne.
- W wielu miastach i stanach organizowane są festiwale filmowe, w których możesz wziąć udział. W zależności od jakości filmu Twój film może wygrać, ale zobaczy go przynajmniej większa publiczność niż Twoja rodzina i znajomi.
- Jeśli masz producenta, zwykle to robią i zazwyczaj nie dostaniesz zielonego światła, aby uruchomić swój projekt, jeśli nie zaplanowano dystrybucji po zakończeniu filmu.
Porady
- Jeśli naprawdę poważnie myślisz o zostaniu reżyserem, powinieneś przestudiować filmy, które kochasz, aby zobaczyć, jak są robione i jak aktorzy są reżyserowani w filmach. Powinieneś czytać scenariusze i książki filmowe, takie jak Grammar of Film Language.
- Kiedy korygujesz działania aktora, bądź stanowczy, ale nie osądzaj. Potrzebujesz, aby aktorzy cię szanowali.
- Zajęcia aktorskie to dla reżyserów świetny sposób na poznanie tajników bycia aktorem i ułatwienie ich reżyserowania, ponieważ znasz metody i terminologię, której używają.
Ostrzeżenie
- Jeśli twój aktor nie czuje się z tobą dobrze, nie będziesz miał dobrego doświadczenia ani dobrego filmu.
- Nie zrobisz kilku przebojów kinowych za pierwszym razem, gdy będziesz reżyserować film. Jeśli mówisz poważnie (a nie tylko dobrze się bawisz!), będziesz musiał ciężko pracować, a może pójść do szkoły filmowej.
